Andy Warhol

Andy Warhol
Andy Warhol, figura clave del arte pop y la cultura comercial del siglo XX
Información personal
Nacimiento	6 de agosto de 1928, Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos
Fallecimiento	22 de febrero de 1987, Nueva York, Estados Unidos
Nacionalidad	Estadounidense
Educación	Instituto Carnegie de Tecnología (actual Universidad Carnegie Mellon)
Ocupación	['Artista', 'Director de cine', 'Productor', 'Empresario']
Conocido por	Pionero del arte pop, innovador en la comercialización del arte, uso de técnicas de reproducción en masa, influencia en la publicidad y la cultura de consumo
Premios
Instituciones	The Factory

Introducción

Andy Warhol, nacido como Andrew Warhola Jr., fue un influyente artista plástico y actor estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Su carrera abarcó desde la ilustración comercial hasta la pintura, el cine de vanguardia y la literatura, destacándose por su innovadora fusión entre el arte y el marketing de consumo masivo. Activo principalmente durante la segunda mitad del siglo XX, Warhol es reconocido por su habilidad para utilizar los medios de comunicación como herramienta estratégica para la promoción y difusión de su obra, convirtiéndose en un pionero en la relación entre la cultura empresarial, la publicidad y el arte contemporáneo. Su célebre frase «En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos» anticipó fenómenos actuales relacionados con la comunicación de masas, la prensa amarilla y las redes sociales.

Contexto histórico

Warhol desarrolló su carrera en un contexto marcado por profundos cambios sociales, culturales y tecnológicos en Estados Unidos durante las décadas de 1950 a 1980. La posguerra trajo consigo un auge del consumo masivo y la expansión de los medios de comunicación, que influyeron decisivamente en la cultura popular y en la percepción del arte. Las corrientes intelectuales dominantes, como el pop art y el neoexpresionismo, reflejaban una reacción tanto a la modernidad como a la creciente mercantilización de la cultura. En este entorno, Warhol supo capitalizar la relación entre la imagen corporativa, la estrategia empresarial y la cultura visual, transformando objetos cotidianos en símbolos icónicos y cuestionando los límites entre el arte y la publicidad.

Formación y primeros años

Andy Warhol nació el 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh, Pensilvania, en el seno de una familia de inmigrantes eslovacos. Desde niño mostró interés por el dibujo y la ilustración, actividades que desarrolló durante su convalecencia debido a una enfermedad neurológica conocida como corea de Sydenham. Esta etapa temprana fue fundamental para el desarrollo de sus habilidades artísticas y su fijación por la cultura popular. Warhol estudió Arte comercial en la Carnegie Mellon University, donde adquirió una formación técnica que luego aplicaría en su carrera como ilustrador y publicista. Su traslado a Nueva York en 1949 marcó el inicio de su trayectoria profesional en el ámbito de la ilustración para revistas y anuncios publicitarios, donde comenzó a experimentar con técnicas gráficas y a establecer contactos con el mundo empresarial y creativo.

Trayectoria profesional

Durante los años 1950, Warhol consolidó su reputación como ilustrador comercial, destacando por su estilo innovador en anuncios de productos como zapatos y portadas de discos para compañías como RCA. En la década de 1960, su obra evolucionó hacia el pop art, con exposiciones emblemáticas que incluyeron imágenes de productos de consumo masivo como las latas de sopa Campbell y botellas de Coca-Cola, símbolos de la cultura estadounidense y del comportamiento del consumidor. Fundó su estudio, conocido como The Factory, que se convirtió en un centro de producción artística y un espacio de encuentro para artistas, músicos y celebridades, reflejando una nueva forma de gestión y producción artística basada en la colaboración y la producción en serie.

Warhol también incursionó en la gestión cultural y la producción musical, siendo mánager del grupo The Velvet Underground y fundador de la revista Interview, que combinaba arte, moda y cultura popular. Su método de trabajo, que incluía la delegación a asistentes para la producción de obras, generó debates sobre la autoría y el valor del arte en un contexto de creciente industrialización cultural. En los años 1970 y 1980, Warhol amplió su influencia hacia el mundo empresarial, realizando retratos por encargo de figuras públicas y colaborando en proyectos como el diseño de art cars para fabricantes automovilísticos, integrando el arte en estrategias de marketing y promoción comercial.

Pensamiento y enfoque

Warhol adoptó una filosofía que integraba el arte con el negocio y la cultura empresarial, expresada en su afirmación: «Hacer dinero es arte, y el trabajo es arte, y un buen negocio es el mejor arte». Su enfoque rompió con las concepciones tradicionales del arte como una actividad desvinculada del mercado, proponiendo una visión en la que la estrategia empresarial y la comunicación eran elementos esenciales para el éxito y la difusión artística. Su metodología incluía la reproducción en serie y la apropiación de imágenes de la cultura de masas, lo que cuestionaba las nociones de originalidad y autenticidad, y reflejaba un análisis crítico del consumo y la publicidad en la sociedad contemporánea.

Warhol también exploró la relación entre la identidad, la imagen pública y los medios de comunicación, construyendo una personalidad pública cuidadosamente diseñada que funcionaba como parte integral de su obra y estrategia de posicionamiento. Su trabajo se inscribe en corrientes teóricas que estudian el impacto de la cultura visual y la psicología del consumidor en la formación de tendencias y comportamientos sociales.

Aportes y contribuciones

Entre las contribuciones más significativas de Warhol destaca la integración del arte con las técnicas y estrategias del marketing y la publicidad, anticipando la importancia de la marca personal y la gestión de la imagen en la cultura contemporánea. Su uso de la serigrafía y la reproducción masiva de imágenes permitió una producción artística que dialogaba directamente con el mercado de consumo, transformando objetos cotidianos en iconos culturales y comerciales.

Warhol también innovó en la forma de producción artística mediante la creación de un taller colaborativo, The Factory, que funcionaba como una pequeña empresa creativa, combinando la producción en serie con la creatividad individual. Esta estructura influyó en modelos posteriores de gestión cultural y producción artística, acercando el arte a la lógica empresarial y de mercado.

Su frase sobre la fama efímera anticipó fenómenos actuales relacionados con la viralidad y la cultura digital, posicionándolo como un visionario en la comprensión del impacto de los medios de comunicación en la sociedad de consumo.

Influencia e impacto

El legado de Warhol trasciende el ámbito artístico para influir en disciplinas como la administración, el comportamiento del consumidor, la estrategia empresarial y la comunicación de masas. Su obra y su figura han sido objeto de estudio en universidades y centros de investigación dedicados al análisis del marketing cultural y la gestión de la imagen pública.

Warhol inspiró a generaciones de artistas y profesionales del marketing a explorar nuevas formas de interacción entre el arte, la publicidad y el consumo, consolidando un modelo de negocio basado en la innovación y la creatividad aplicada a la cultura visual. Su influencia se extiende también a la industria del entretenimiento y la moda, donde la construcción de la marca personal y la gestión estratégica de la imagen son fundamentales.

Relación con otras disciplinas

La obra y el pensamiento de Warhol establecen conexiones interdisciplinarias entre el arte, la antropología cultural, la psicología del consumidor, la economía y la teoría de la comunicación. Su análisis de la cultura de masas y el consumo como fenómenos sociales ha sido fundamental para el desarrollo de estudios sobre la cultura empresarial y la influencia de los medios de comunicación en la formación de identidades y comportamientos.

Además, Warhol incorporó elementos de la tecnología en sus procesos creativos, utilizando técnicas como la serigrafía y la fotografía para reproducir imágenes de manera masiva, anticipando prácticas actuales en la producción y distribución de contenidos visuales. Su enfoque ha sido adaptado en el estudio de la estrategia empresarial y el diseño de campañas publicitarias que buscan generar impacto cultural y comercial.

Controversias y críticas

La carrera de Warhol estuvo marcada por debates sobre la autenticidad y el valor del arte en un contexto de creciente mercantilización cultural. Su método de producción en serie y la delegación a asistentes generaron críticas sobre la autoría y la originalidad de sus obras, cuestionamientos que reflejan tensiones entre la creatividad individual y la lógica empresarial.

Asimismo, su aparente celebración del consumismo fue interpretada por algunos críticos como una rendición ante la cultura de masas, mientras que otros lo consideran un análisis irónico y profundo de la sociedad contemporánea. La polémica sobre su sexualidad y su relación con la subcultura gay también ha sido objeto de estudio, evidenciando cómo su identidad personal influyó en su obra y en su posicionamiento dentro del mundo del arte y la cultura.

Legado

Andy Warhol es reconocido como uno de los artistas más influyentes del siglo XX, no solo por sus aportes al pop art sino también por su innovadora integración del arte con el marketing y la cultura empresarial. Su legado perdura en la forma en que se concibe la relación entre la creatividad, la producción cultural y el mercado, consolidando un modelo que ha sido adoptado y adaptado en múltiples disciplinas.

La Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, creada tras su muerte, continúa promoviendo la innovación en las artes visuales y apoyando proyectos experimentales, reflejando la visión de Warhol sobre la importancia de la creatividad y el emprendimiento cultural. Su influencia se mantiene vigente en la cultura contemporánea, especialmente en la era digital, donde la gestión de la imagen y la viralidad son elementos centrales.

Obra

Pintura

Se puede decir que hasta principios de la década de los 60, Warhol era un ilustrador comercial de éxito. Sus elegantes y detallados dibujos para la empresa zapatera I. Millar eran particularmente populares. Estos dibujos a tinta, de línea bastante desenvuelta, se alternaban con impresiones monoprint (similares a una monotipia) que aplicó extensivamente en su primera etapa como artista. Aunque esta posición entre el mundo artístico y el comercial no era infrecuente, sí es cierto que por motivos de prestigio la mayoría de artistas llevaban con discreción su condición de profesionales de la publicidad. De hecho, la fama de Warhol como ilustrador supuso en un primer momento un obstáculo para su consideración como artista. Por entonces trató de exponer alguno de los dibujos realizados con estas técnicas en galerías de arte, pero sus intentos no tuvieron éxito. De esta época parte su cuestionamiento sobre el estatus de arte y su relación con el mercado: A partir de entonces, criticaría su separación y trató de interpretar la cultura comercial y popular como un tema artístico.

El pop art ya era una corriente en estado germinal que algunos artistas exploraban de modo aislado; algunos de estos pioneros, como Roy Lichtenstein o el propio Warhol (que pasaría a ser conocido como «el Papa del Pop») se volverían con el tiempo en sinónimos del pop. Warhol comenzó a involucrarse en este movimiento artístico realizando imágenes tomadas de dibujos animados y anuncios televisivos que pintaba con cuidadosas salpicaduras de pintura. Estas salpicaduras emulaban el aspecto del expresionismo abstracto estadounidense, entonces muy en boga. Eventualmente Warhol iría retirando referencias de sus imágenes hasta reducirlas a la representación icónica de una marca comercial, una celebridad, o el signo del dólar; suprimió también cualquier huella de la mano del artista en sus pinturas. Se trataba en cierto sentido de devolver al arte el valor de cosa mentale, tal y como Leonardo la había definido ya en el Renacimiento.

Warhol extrapoló su profundo conocimiento del mundo comercial en su faceta artística. Así, intuía que definir un nicho comercial era al fin y al cabo definir un tema artístico. Los dibujos animados y los cómics ya habían sido utilizados por Lichtenstein, la tipografía era parte del lenguaje de Jasper Johns; y Warhol también quería definir su propia estética distintiva. Sus amigos le aconsejaron pintar las cosas que más amase: En su peculiar manera de tomar las cosas literalmente, para su primera exposición de importancia pintó las famosas latas de sopa Campbell, que según decía había sido el almuerzo más frecuente a lo largo de su vida. La obra fue vendida por $10Plantilla:Esd000 dólares en una subasta celebrada el 17 de noviembre de 1971 en la sede de Sotheby's en Nueva York, un precio irrisorio si lo comparamos con los 6 millones de dólares obtenidos más recientemente por la misma obra.

Pero Warhol también amaba a las celebridades, y por ello decidió pintarlas. Estos primeros pasos en el mundo artístico fueron definiendo poco a poco su impronta personal, que consistía precisamente en evitar la huella personal del artista en beneficio de unos temas que aunque eran considerados «anti-artísticos» constituían la esencia de la cultura de la sociedad del bienestar estadounidense. Warhol utilizó frecuentemente la serigrafía, y cuando se veía obligado lo hacía calcando de una diapositiva. Según se afianzaba su carrera como pintor, Warhol contrató a varios asistentes que le ayudaban a procesar sus imágenes, siguiendo sus indicaciones para realizar variaciones y versiones sobre el mismo tema.

En 1979, Warhol recibió de BMW el encargo de pintar un coche de carreras de competición BMW M1 para la cuarta exposición del proyecto «BMW Art Car». A diferencia de los tres artistas que le habían precedido, Warhol declinó utilizar inicialmente un modelo a escala, y se puso a pintar directamente sobre el vehículo. Se dice que Warhol tardó un total de 23 minutos en pintar el coche entero.

La obra de Warhol adquirió un tono más serio tras el atentado sufrido en 1968. Una tendencia cómica coexistía con una más solemne, y por ello en su obra se pueden encontrar viñetas de cómic o sillas eléctricas, indistintamente. Por otra parte, Warhol utilizó las mismas técnicas —serigrafía, offset, pintura en tonos planos con colores brillantes— para representar a sus queridas celebridades, objetos cotidianos, accidentes de coche, imágenes de suicidios o desastres, como prueba la serie «Death and Disaster» realizada entre 1962 y 1963. Las pinturas de esta serie —como «Accidente de coche en rojo», «Hombre púrpura saltando» o «Desastre naranja»— transforman tragedias personales en espectáculos públicos, y anuncian el uso de imágenes de catástrofe que se volvería inherente a la cultura de los medios de masas.

El elemento unificador de la obra de Warhol es su estilo deliberadamente inexpresivo y la construcción de un personaje aparentemente imperturbable, como un Buster Keaton del arte. Estos rasgos eran subrayados por la propia personalidad de Warhol, que prefería hacerse pasar por tonto ante los medios y rechazaba dar explicaciones sobre su trabajo. Warhol declaró en cierta ocasión que «todo lo que necesitas saber sobre el cuadro está ahí, en la superficie».

Algunos de sus dibujos a tinta, que podían recordar imágenes del test de Rorschach pretendían ser comentarios desde el punto de vista del pop sobre lo que el arte podría ser. Otras pinturas, como el «papel de pared de vaca» (un papel de pared con estampado de vacas) o sus «pinturas de oxidación» (a partir de lienzos preparados con cobre oxidado con orina) también pueden entenderse en este sentido. Es igualmente remarcable la manera en que esta obra —y los medios con que se producía— encajaban en el ambiente de la Factory de Nueva York. El biógrafo Bob Colacello aporta un testimonio sobre las «pinturas de orines» de Andy:

El ciclo inacabado de «La última cena», que habría aportado un carácter religioso completamente nuevo a su obra, es posiblemente la mayor de sus series, y en palabras de algunos críticos también, «la mejor». Es igualmente la mayor serie de tema religioso realizada por un artista estadounidense.

Películas

Andy Warhol conversando con el dramaturgo Tennessee Williams en 1967.

Warhol recurrió a una gran variedad de medios de expresión artística: pintura, dibujo, fotografía, grabado, escultura y cine, y fue un cineasta experimental bastante prolífico, si consideramos que entre 1963 y 1968 produjo más de sesenta películas. En una de las más conocidas, "Sleep", John Giorno dormía durante seis horas. El mediometraje "Blowjob" (35') muestra un plano de DeVeren Bookwalter (supuestamente felado por el cineasta Williard Maas). En "Empire", una película de ocho horas de duración, la cámara muestra una vista del Empire State Building al amanecer. Warhol ignoraba las convenciones usuales sobre la duración de una película, como podemos juzgar en "Eat", una película de 45 minutos de duración en la que aparece un hombre comiéndose una seta. En 1962, Warhol asistió al estreno de una composición estática de LaMonte Young, titulada "Trio for Strings", a partir de la cual creó una serie de películas estáticas como "Kiss", "Eat" o la misma "Sleep" (para la que contrató a Young como compositor). Uwe Hussein dice que el cineasta Jonas Mekas —que acompañó a Warhol en el estreno del "Trio"— afirmó que el espectáculo fue una influencia esencial para esas películas de Warhol.

En 1964 Warhol dirigió y produjo "Batman Dracula", una película que no contaba con la aprobación de DC Comics, propietaria legal del personaje. Esta película fue proyectada únicamente en exposiciones. Warhol se confesó un gran admirador de la serie y afirmó que pretendía realizar un homenaje personal al superhéroe. Actualmente se la considera la primera representación de Batman en la estética camp. La película se había considerado perdida hasta 2006, con la proyección del documental "Jack Smith and the Destruction of Atlantis" en el que aparecían fragmentos de la pieza original.

En 1965, Warhol produjo "Vinyl", una adaptación de la célebre distopía de Burgess, "A Clockwork Orange". Otras grabaciones eran improvisadas, y registran encuentros entre los habituales de la Factory, como Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico y Jackie Curtis. El legendario artista underground Jack Smith aparece en la película "Camp".

Su producción cinematográfica de más éxito —tanto de público como de crítica— fue "Chelsea Girls" (1966), una película muy innovadora que se exhibía con dos proyectores de 16mm funcionando simultáneamente. Cada película tenía su propia historia, y ofrecían una lectura simultánea de acontecimientos aparentemente inconexos. Eventualmente, desde la cabina de proyección se regulaba el sonido para darle a una de las proyecciones cierta preponderancia sobre la otra. Esta multiplicación de imágenes evocaba los trabajos de serigrafía de Warhol de principios de esa década, en los que se superponían diversas «capas de información». La influencia de esta división de pantalla, con el valor multi-narrativo que implicaba, tuvo una gran resonancia posterior.

Otras de sus películas más importantes son "Bike Boy", "My Hustler", y "Lonesome Cowboys", un pseudo-western de bajo presupuesto en el que Warhol se interpretaba a sí mismo. Estas películas han trascendido más como documentales de la subcultura gay del momento y aún hoy ocupan un lugar ilustre en los estudios de arte y sexualidad. La última producción de Warhol como director fue "Blue Movie", en la que Viva, una superestrella de la Factory, sale haciendo el amor y tonteando con un hombre durante 33 minutos. La polémica desatada alrededor de esta película —debida a ese franco planteamiento de un encuentro sexual— hizo que la propia intérprete se negase durante años a su proyección pública. "Blue Movie" fue proyectada en Nueva York por primera vez en 2005, tras más de treinta años de espera.

Después del atentado sufrido en 1968, Warhol se volvió más reticente a la producción de películas. Su colaborador y ayudante de dirección, Paul Morrissey, llevó las producciones del colectivo de la Factory a un terreno más convencional y narrativo, con producciones de serie-B y películas de tono contestatario como "Flesh", "Trash", y "Heat" (1972). Todas estas películas, incluyendo las versiones de Drácula y Frankenstein, iban dirigidas a un público convencional adulto, más que a los sofisticados espectadores que habían apreciado las obras de Warhol. En estas últimas películas actuó Joe Dallesandro, a quien algunos han querido catalogar como una «estrella de Morrisey», y no una auténtica «estrella de Warhol».

Música

A mediados de los sesenta, Warhol «adoptó» a una banda llamada The Velvet Underground, y les convirtió en un elemento crucial de la exposición de arte multimedia que organizaba, la Exploding Plastic Inevitable. Warhol convirtió a Paul Morrissey en el agente de la banda, y les presentó a Nico, quien se convertiría en miembro de la banda a petición de Warhol. En 1966 produjo su primer disco, titulado "The Velvet Underground and Nico", y realizó la decoración del disco. En realidad, la producción de Warhol se limitó a pagar por el estudio de grabación. Tras la publicación de este álbum, Warhol y el líder de la banda, Lou Reed, empezaron a disentir sobre la dirección que la banda debería tomar. Esta tensión pudo haber causado el final de su buena relación artística.

Warhol había diseñado numerosas portadas de discos desde su primera portada, una fotografía para el primer disco de John Wallowitch (titulado "This Is John Wallowitch", 1964). También diseñó las portadas del "Sticky Fingers" de los Rolling Stones en 1971, y del "Love You Live" (1977). En 1975 le encargaron hacer varios retratos de la cara visible de la banda, el músico Mick Jagger. Para John Cale diseñó la portada de "Honi Soit" (1981) y para Diana Ross las ilustraciones que aparecían en la cubierta de "Silk Electric". El póstumo "Menlove Ave." (1986) de Lennon también fue diseñado por Warhol.

Andy tenía buena relaciones en el mundo de la música, como Deborah Harry, Grace Jones, Diana Ross y John Lennon. El videoclip, formato que surgiría en los años 1970, también entraba en sus inquietudes creativas. La productora de vídeo de Warhol produjo, entre otros, el clip del sencillo "Misfit", para los Curiosity Killed The Cat, y el clip del sencillo "Hello Again" de The Cars (en el que figuraba como barman).

La relación de Warhol con la música no fue de índole estrictamente profesional. Su influencia sobre la llamada New Wave —como la banda Devo— y sobre la formación de artistas jóvenes, como David Bowie es sobradamente conocida. Bowie incluía una canción llamada Andy Warhol en su Hunky Dory (1971), y Lou Reed compuso una canción llamada "Andy Chest", que trataba sobre el atentado sufrido en 1968 a manos de Valerie Solanas. Esta canción fue grabada entonces con The Velvet Underground, pero la versión no fue publicada hasta que salió el álbum VU en 1985. En 1972 grabó una versión diferente para su disco Transformer, producida por Bowie y Mick Ronson.

Warhol y la edición

Desde comienzos de la década de 1950, Warhol realizó regularmente los portafolios que utilizaba para mostrar su trabajo. El primero de estos libros publicados por el mismo autor fue «25 Cats Name Sam and One Blue Pussy», impreso en 1954 por Seymour Berlin en papel Arches con marca de agua, y estaba ilustrado con litografías realizadas en el mismo estilo emborronado con el que se identificaba su trabajo de ilustrador. La edición original estaba limitada a 190 ejemplares, coloreadas a mano con tinta acualerable Dr. Martin's. Warhol regaló la mayoría de estos libros a clientes y amigos. La copia número 4, con la palabra "Jerry" manuscrita en la cubierta, fue un regalo de Warhol para Geraldine Stutz, y se utilizó en 1987 como modelo de una edición facsímil. El original fue subastado en mayo de 2006 por Doyle New York, y alcanzó un valor de 35.000 dólares. Otros de los libros autoeditados por Warhol fueron A Gold Book, Wild Raspberries y Holy Cats.

Tras convertirse él mismo en una celebridad, Warhol escribió varios libros que fueron publicados con fines comerciales.

• A, a Novel (1968, ISBN 0-8021-3553-6) es una transcripción literal —aderezada con faltas de ortografía y murmullos ininteligibles interpretados fonéticamente— de varias grabaciones de sonido realizadas por Ondine y varios de los asiduos visitantes de la Factory, y contiene sus charlas, sus saludos y sus despedidas.
• The Philosophy of Andy Warhol (From A to B and Back Again) —traducido al español como «La filosofía de Andy Warhol: De la A a la B y de la B a la A»— (1975, ISBN 0-15-671720-4) es un extracto de las conversaciones telefónicas diarias (algunas mientras Warhol estaba de viaje) entre el artista y Pat Hackett. La investigadora explica en la introducción de The Andy Warhol Diaries que las cintas que Warhol le daba para que grabase sus charlas contenían fragmentos de conversaciones previamente grabadas entre el artista, Brigid Berlin y el antiguo editor de la revista Magazine, Bob Colacello.
• Popism: The Warhol Sixties, (1980, ISBN 0-15-672960-1) es una revisión retrospectiva de los años sesenta y el auge del pop art, y sus coautores son Andy Warhol y Pat Hackett.
• The Andy Warhol Diaries (1989, ISBN 0-446-39138-7), editado por Pat Hackett, es una especie de «diario» dictado por Warhol a Hackett a lo largo de conversaciones telefónicas diarias. Warhol le había dado inicio para revisar el progreso de sus gastos tras revisiones fiscales, pero pronto evolucionó hasta incluir observaciones personales y comentarios artísticos.

Warhol fue además el creador de Interview, una revista de moda que aún se publica. El título garabateado en la portada puede ser obra de la propia mano de Warhol o de su madre, Julia Warhola, quien solía hacer ese tipo de colaboraciones escritas para sus primeras piezas comerciales. Fue enterrado con un ejemplar de su publicación.

Otros medios

Como se ha señalado, aunque Warhol es más conocido como pintor y realizador, fue un autor prolífico que se expresaba en medios muy diversos.

• El dibujo era una parte esencial de la pintura de Warhol. Formado como ilustrador, Warhol acuñó un característico estilo «emborronado» con el que realizó sus celebrados anuncios de zapatos. Algunos de sus dibujos fueron publicados por el propio autor en forma de folletos (así, Yum, yum, yum, sobre la comida; Ho, Ho, Ho, de tema navideño; y Shoes, Shoes, Shoes, de uno de sus temas favoritos). Su libro de dibujos más aclamados es quizás A Gold Book, que reúne numerosas y delicadas ilustraciones de jóvenes. El título de esta obra se debe a una hoja dorada que decora sus páginas.
• La escultura más conocida de Warhol es quizás la caja de Brillo, una réplica serigrafiada sobre madera de las cajas de un detergente bastante conocido. Las Cajas de Brillo formaban parte de una serie de esculturas que representan objetos típicos de tienda de barrio, como el kétchup Heinz o las Latas de Sopa Campbell. Otras obras que Warhol realizó en este medio fueron la Silver Clouds, unos globos plateados de mylar con forma almohadillada. Una de estas "nubes plateadas" fue parte de la exposición itinerante Air Art organizada por Willoughby Sharp entre 1968 y 1969. "Clouds" fue también el título de una parte del RainForest, un espectáculo de danza contemporánea coreografiado por Merce Cunningham en 1968.
• Música y edición de sonido: A partir de determinado momento, Warhol decidió no separarse de una grabadora portátil que llevaba a donde quiera que fuese, y con la que registraba cualquier cosa que dijese alguien cerca de él. Llamaba al aparato como «mi esposa», y utilizó parte del material grabado como soporte literario de algunos de sus libros. Otra importante obra sonora de Warhol fue su Invisible Sculpture, una instalación en la que las alarmas antirrobo dejaban de sonar al entrar. Por otra parte, la colaboración de Warhol con The Velvet Underground fue una vertiente muy destacada de su expreso deseo de convertirse en productor de música.
• La Time Capsule, creada en 1973, es una pieza con la que Warhol quería rescatar objetos de su entorno cotidiano —cartas, periódicos, suvenires, objetos de infancia, incluso billetes de avión y restos de comida— que reunía y sellaba dentro de cajas de cartón que él llamaba cápsulas del tiempo. Para la fecha de su muerte, existían cerca de 600 de estas cajas, todas adecuadamente fechadas y clasificadas. Las «cápsulas» están ahora reunidas en la colección del Andy Warhol Museum.
• Warhol siempre manifestó su entusiasmo por un programa televisivo que quería llamar The Nothing Special, un programa especial sobre su tema favorito: nada. Al final de su carrera creó dos programas televisivos, la Andy Warhol's TV (1982) y Andy Warhol's Fifteen Minutes (1986), basado en su célebre frase sobre los «quince minutos de fama» que todo el mundo deberíamos tener. Además de las apariciones en sus propios programas, Warhol frecuentaba otras emisiones, como The Love Boat, en el que una mujer casada de nombre Marion Ross temía que Warhol revelase a su entonces marido, Tom Bosley —quien actuaba con Ross en el sitcom Happy Days— su dudoso pasado como Marina del Rey, una de las muchas «superestrellas» de Warhol. Warhol también realizó un anuncio de televisión para la cadena de restaurantes Schrafft's, de Nueva York. El anuncio promocionaba un postre helado apropiadamente llamado «Underground Sundae».
• Una frase supuestamente atribuida a Warhol dice que «preferiría comprarme un vestido y colgarlo de la pared antes que poner un cuadro, ¿tú no?». Indudablemente, la moda era uno de los mayores intereses de Warhol, quien fundó Interview como un apasionado experto en la materia. Una de sus más conocidas superestrellas, Edie Sedgwick, manifestó siempre su intención de convertirse en diseñadora de moda, y su buen amigo Halston lo fue, y de enorme éxito. La aportación personal de Warhol a la moda pasaba por impresiones serigrafiadas sobre la tela, una breve incursión como modelo de pasarela, libros sobre moda y por supuesto los célebres zapatos que tanto le gustaba pintar.
• Performance: Warhol escenificó con sus conocidos diversos montajes teatrales, multimedia y happenings en fiestas y lugares públicos, en los que combinaba música, proyecciones de diapositivas y en alguna ocasión incluso espectáculos de BDSM con su amigo Gerard Malanga ataviado de vinilo y blandiendo un látigo. El Exploding Plastic Inevitable de 1966 fue la culminación de su trabajo en esta área.
• Teatro: «Pork», de Andy Warhol, se estrenó el 5 de mayo de 1971 en el teatro LaMama de Nueva York, y permaneció dos semanas en el escenario. Posteriormente fue llevada al Roundhouse de Londres para una gira más prolongada durante 1971. «Pork» se basaba en la grabación de conversaciones sostenidas entre Brigid Berlin y Andy, y que trataban sobre las cintas que Brigid había grabado durante charlas con su madre. La obra estaba presentaba a Jayne County como el personaje de Vulva, y Cherry Vanilla como Amanda Pork.
• Para producir sus litografías, Warhol solía utilizar fotografías que eran sacadas indistintamente por él o por alguno de sus asistentes. Estas imágenes solían tomarse con un tipo de cámara Polaroid que la marca decidió mantener en producción únicamente para satisfacer a su insigne cliente. Su aproximación fotográfica a la pintura, y su personal visión de la fotografía instantánea tuvieron una fuerte influencia en la fotografía artística posterior. Warhol era un notable fotógrafo y disfrutaba retratando a sus numerosos invitados en la Factory.
• Una de las contribuciones menos conocidas de Warhol al mundo artístico es su producción como artista digital. Warhol utilizaba los ordenadores Amiga para generar imágenes con el apoyo de Amiga, Inc. También mostró la diferencia entre slow fill y fast fill en un programa en directo en la televisión, con Debby Harry como modelo.

La Factory de Nueva York

El célebre estudio de Warhol cambió en numerosas ocasiones de dirección. La siguiente lista refiere sus sucesivas localizaciones, siempre dentro de la ciudad de Nueva York, así como la dirección de algunos de sus domicilios conocidos.

• Factory: 1342 Lexington Avenue, la Factory original.
• 1963-1967: The Factory en el 231 East de la 47th Street. El edificio actualmente no existe.
• 1967-1973: Factory, en el 33 de Union Square.
• 1973-1984: Factory, en el 860 de Broadway (cerca del 33 de Union Square; el edificio ha sido completamente remodelado, entre 2000 y 2001 fue la sede de la asesoría Scient, dedicada al comercio virtual).
• 1984-1987: Factory, en el 22 East 33rd Street. El edificio actualmente no existe.
• Casa: 1342 Lexington Avenue.
• Casa: 57 East 66th Street (la última casa de Warhol).

El último estudio en que Warhol trabajó estaba en el 158 de la Madison Avenue de Nueva York.

Véase también

• Arte pop
• Pintura de los Estados Unidos
• Richard Hamilton
• Robert Indiana
• Roy Lichtenstein
• Claes Oldenburg
• Eduardo Paolozzi
• Peter Phillips
• Robert Rauschenberg
• James Rosenquist
• Tom Wesselmann
• David LaChapelle
• Cars (pintura)
• Ethel Scull 36 veces

Bibliografía

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• Pagán, Alberte (2014). Andy Warhol. Madrid: Cátedra. ISBN 978-84-376-3227-8

Enlaces externos

• Museo Andy Warhol
• Todo el arte de Andy Warhol Plantilla:En idioma.
• Plantilla:Cita web
• Warhol Foundation en Nueva York
• "Time Capsules": la colección de Warhol
• Plantilla:Cita web
• Warholstars: Películas de Andy Warhol, arte y las "Superstars".
• Maestros del Pop Art - Andy Warhol
• Biografía, retrato e imágenes de su obra en Art Director's Club. Plantilla:Wayback
• Plantilla:Cita publicación
• Plantilla:Cita publicación
• "Warhol, Soup Cans, Cowboys" (programa de radioStudio 360, emitido el 10 de diciembre de 2005)
• «Andy Warhol; 'Mi Filosofía de A a la B y de B a la A'» (Adolfo Vásquez Rocca)
• Andy Warhol: cine, vídeo y tv Fundació Antoni Tàpies